＜生命賛歌の裸婦＞ 宮本三郎

　宮本三郎は「写実の画家」であると同時に「色彩の画家」でもあった。
　宮本の画集をめくると左右に裸婦があらわれる。左側の裸婦は「青い敷物」と題された作品である。これに対して、右側の裸婦は「裸婦達に捧ぐ」と題された作品である。

　このふたつの作品を一瞥するだけで宮本三郎が写実の画家であると同時に色彩の画家であることがわかる。「青い敷物」は血色のよい豊かな肢体を画面の中央においてそのまわりを青の色彩で埋めているが、写実性に優れている作品である。

　「裸婦達に捧ぐ」は深紅の色に埋まるようにして、ふたりの裸婦が寝ころがっている。その姿はいかにものびのびとしている。そのうえ、裸婦のまわりには色とりどりの花が惜しみなくまき散らされている。まさに色彩の豊かな作品なのである。

　宮本が「青い敷物」から三十三年あとに描いたのが「裸婦達に捧ぐ」である。その間に宮本三郎は写実の画家から色彩の画家に変容したといってもおかしくないような変わりぶりである。

　次のページをめくると、おなじように左右対象の裸婦があらわれる。左側が「裸女結髪」という作品であるのに対して、左側が「鏡の前」という作品である。ふたつの作品に共通しているところは、鏡の前で身づくろいをしているところである。

　「裸女結髪」では、若い女性が部屋の一隅に座り込んで髪を結っているところが描かれている。そのふくよかな肉体はいかにも健康そのものであるが、その描かれ方はみるからに写実的である。

　これに対して、「鏡の前」では、ひとりの裸婦が大きな鏡に全身をうつして化粧をしているところが描かれている。ルノワールの裸婦をおもわせるように色彩が鮮やかであるが、描かれ方はタッチがあらくて、ボナールの作品をおもい起こさせる。

　次からのページでは写実性が消えて色彩のゆたかな裸婦たちばかりがあらわれてくる。線描のリアリストとまでいわれた宮本三郎が色彩画家に豹変したかのような錯覚さえ起こす作品ばかりである。

　昭和三十年代は国際的にみても抽象画の波が荒れ狂った時代であったといわれている。このような時代背景にあって、宮本も写実を捨てて抽象画に近い作品を描きはじめたことがある。でも、それは一時的な心の迷いであったようである。

　宮本はそこから抜け出る方法をあらたな裸婦に求めたのである。宮本の絵画のテーマは「生命賛美」である。それが現実のものとなった背景には、西洋の神話や聖書が裸婦と結びつくことがわかったからである。

「裸婦を線やボリュームや肌色の美しさばかりでなしに、もっと人間的な、恋情や慕情の対象としての、あの素晴らしさが描きたい」宮本はこのような念願のうえに、さらに、
「もっと素直に感情を歌いあげたい」と、切望するようになっていった。

　このような願望のもとに宮本が精魂を込めて描きあげた作品が晩年の裸婦シリーズである。すなわち、新約聖書から題材をとった「ＳＡＲＯＭＥ」であったり、ギリシャ神話にもとづいた「レ・トロワ・グラース」だったり、「ＶＥＮＵＳ　ＡＮＡＤＹＯＭＥＮＥ」という作品だったりする。

　いずれの作品も色彩があざやかで生命の賛歌を髣髴とさせる作品ばかりであるが、宮本にはこのほかに「仮眠」という作品がある。ひとりの全裸の若い女性が花と人形にとりかこまれて横たわりながらまどろんでいるところが描かれている。

　裸婦の美を求めつづけて来た宮本三郎の絶筆として知られている名作である。フォルムの変化といい、肌の陰影といい、まわりにちりばめられている人形たちの瞳といい、この作品からうける印象は「生命の賛歌」以外のなにものでもない。

＜官能の裸婦＞ 古沢岩美

　裸婦に官能はつきものである。ボッティチェルリに「ヴィーナスの誕生」という作品がある。この作品は「天国のヴィーナス」といわれ、通常は官能性が否定されるといわれている。だが、わたしはこの作品にも官能性を感じるのである。

　それならば、「自然のヴィーナス」の代表的な画家といえるルノアールの一連の裸婦に官能を感じないわけがない。それでもルノアールの裸婦を淫らだと悪罵を浴びせる人はいない。ところがわが国の古沢岩美の裸婦となると、芸術の域を超えているという人たちの声が聞こえてくるようである。それほどまでに古沢の描く裸婦は官能性に満ち溢れているのだ。

　その源泉はどこにあるのであろうか。ひとことでいってしまうとモデルとの人間関係にあるということになる。もともと女がヌードになるのは愛する人のためなのだ。これほど説得力ある論理はない。だから、古沢はヌードになれきった女性は裸婦のモデルとしてはふさわしくないといっている。

　もとよりルノアールの裸婦も魅力に満ちている。だが、そこにはモデルの意思は反映されてはいない。モデルはルノアールに愛撫されるだけの存在にすぎないのである。ところが古沢岩美の描く裸婦となると、モデル自身が羞恥心をかなぐり捨てて、みずからの意思で演技をしているのである。

「ボクはヌードになったばかりの、猫をかぶったようなときは描きたくはないのです。スケッチをかまえて三十分も待っていると、どんなモデルでもうごきはじめますよ。いままでのすましきった化けの皮をぬぎすててかくしていた女の本質をはじらいなく見せてくれます。かくしていた秘所を見せびらかして、獣として挑んできます。そこまでいかないと、描かないのですよ」

　岩沢は上記のように創作の原点を種明かししている。わたしはこの一文を読んで心底から納得をした。そうでなければ、あんなリアリティーに富んだ官能性が表現できるはずがないのである。わたしの脳裏にはいまでも色彩が鮮やかで、からだ全体に官能性をみなぎらせている岩沢の描く裸婦たちがどかりといすわっている。岩沢の描く裸婦はいっぺん目にしたら忘れられない作品ばかりである。

＜黒猫のいる裸婦＞ 弦田英太郎

　裸婦に猫が描かれている作品となると、まずマネの「オランピア」に黒猫が登場している。日本人の作品では藤田嗣治の「五人の裸婦」や「タピスリーの裸婦」などにも猫が描かれている。どうも裸婦と猫とは相性がいいようで弦田英太郎の「黒猫のいる裸婦」にも文字通り黒猫が登場している。

　弦田画伯の描く裸婦はいずれも美人であり、容姿もすらりとしている。そのなかでもこの「黒猫のいる裸婦」はひときわ美しく描かれている。肩まで垂れ下がった長髪、きらりとひかっている瞳、筋の通った鼻、それにセクシーな唇が添えられて申し分のない美人の容貌である。

それにすらりとして、しかも瑞々しい肉体をおしげもなく横たえているのである。それでいてどこか奥ゆかしいところがある。それに一役かっているのが黒猫のような気がする。ここまでくると、たんなる裸婦ではなく立派なひとつの芸術作品といえる。

　弦田画伯にいわせると、裸婦の美しさは芸術の大きな源泉であるという。だが、それだけにあらゆる芸術のなかでもっとも困難な題材のひとつであるともいっている。この作品のなかでも弦田画伯は十分に自らの告白を立証しているようにおもわれる。

　すなわち、みずみずしいまでの肌、裸婦が醸し出す魅力的な風情、うるおいのなかにあるしっとりとしたかげり、それらがあいまってひとりの生きた裸婦が描かれているのである。

　これだけの裸婦が描けるようになるには、それこそひたむきに精進をかさねるほかに道はないのであろう。弦田画伯にとっては生涯が修行なのである。もとより、その意味では、この「猫のいる裸婦」もそのなかの一里塚であったのかもしれない。

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＜変幻する裸婦＞ 東郷清児

「わたしは恋愛感情に衝き動かされながら絵を描いてきた」
　これはピカソのことばであるが、ピカソならずとも多くの画家たちが常人では考えられない異性関係を結んでいる。そのひとりとして、東郷青児をあげることができる。

　東郷は日本洋画の典型をつくった功労者のひとりである。若いころ、パリに留学して、本場のキュビズムやシュールレアリズムを学んで帰国すると、それを本活的な日本の油絵にうつしかえた優れた洋画家なのである。

　その功績とは裏腹に東郷もピカソにおとらず生と性の愛憎地獄を生きた画家でもあった。すなわち、幼いころから画才に恵まれていた東郷は、竹久夢二の美人画のモデルになった岸たまきが経営している「港屋」という店に出入りした。

この店はいまでいうギャラリーで夢二の木版画、絵葉書、封筒などを売っていたが、東郷が出入りするようになったころには、夢二にはほかに愛人ができていてこの店には寄りつかなかった。そこで東郷はたまきから夢二の絵の代筆をさせられたのである。

そればかりか、のちの資料によると、竹久夢二は東郷とたまきがただならぬ関係にあるとして、たまきをわざわざ旅先まで呼び出して、暴力をふるったばかりでなく、嫉妬に狂って刃傷沙汰まで起こしている。

　妻子の待つ日本へパリ留学から帰国した東郷は、当時まだ女子大生であった女性と恋愛関係になったばかりか、結婚できないことを悲観して、ガスを放ちノドを切るという心中未遂事件を起こしている。それにもかかわらず、すぐそのあとには作家の宇野千代と知り合い五年間の同棲生活を送っている。

　そのあとは心中未遂をした女性と正式に結婚することになるが、それからも竹久夢二とおなじようになにかと女性関係が絶えなかったといわれている。その東郷の画業のひとつに「東郷製裸婦」として一世を風靡した裸婦がある。

　その裸婦を見ると、愛憎地獄を生きた画家の作品とはおもえないほどに洗練された作品ばかりである。さすがキュウビスムの洗礼をうけた画家だけのことはあって、独特の抽象画で描かれているが、そこには具象画にはない特有のスマートさがある。

「若さをたたえた美しい肉体は妖精にほかならない」「女は激情の船である。静まりかえった海も走れば、荒れ狂う海にも船出する船もある」「女の美しさは千手観音の功徳以上に素晴らしいものではないだろうか。世紀に世紀を重ねて女体美は極まるところを知らない」

　いずれも東郷自身のことばであるが、このうちの女体の美しさは千手観音の‥‥ということばは東郷が製作した「女体礼賛」という作品に添えられたものである。この作品は仏像の源流をなすインドのエロチシズムが主題で、東郷特有の変幻する女体が画面いっぱいにひろがっている。

　東郷の裸婦のなかでもうひとつの圧巻は「脱衣」という作品である。文字どおり、若い女性が最後の下着を脱いでいるところを描いたものである。これも抽象画であるにもかかわらず、そこから醸し出される変幻する女体は具象画の比ではない。

「東郷の女性の扱い方には、日本の造園術や生け花を想わせるものがある。彼はランやバラの花をみるようにモデルをみて、その扱い方ときたら精巧極まりない。というのも、東郷青児は西欧風の日本画家であり、このふたつの世界の技術を完全に一体化することに成功したからである」

これはある著名な文学者の言であるが、事実、東郷は西洋画の礎のうえに大正期の日本の抒情画界を席巻した竹久夢二の絵画の発想とその技術を自分の絵画のなかに取り入れたのである。その背景には若き日の忘れえぬ体験があったのかもしれない。

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＜裸婦＞ 伊藤悌三

　芸術は個性であるとはよくいわれることであるが、一見しただけでそれがわかるのが絵画の世界である。裸婦の世界もその例外ではない。わたしがそれを実感できるのは、伊藤悌三画伯の作品をみるときである。伊藤先生はわが国における裸婦の大家であり、数多くの名作をのこしている。

　先生の作品はいずれも明るく屈託のない若い女をモデルにしている。絵の基調をなすものは天性の明るさであり、それに光と影が投影されているのだ。わたしは画伯の作品をぱっと見ただけですがすがしい気持ちになる。そのような気持ちにさせてくれるところに伊藤作品の醍醐味があるといえる。

　伊藤先生の作品の場合、わたしにとってこれがいちばんだという作品はない。座像でも横たわる裸婦でも伊藤先生の筆になるものならば、すべての作品が好きだというのがもっとも的確な答えである。だが、そのなかでもあえて選別するならば、スペインの女性をモデルにした裸婦である。

　伊藤画伯はこよなくスペインを愛した画家としても知られている。若いころからスペイン女性をこよなく愛して、毎年のようにスペインに渡ってはスペイン女性を描きつづけてきたのである。モデルはすべて若い女性たちで、ときには美術学校のお嬢さんたちを好んで描いたといわれている。

　悲しいことに人間のからだは年齢とともにかたちがくずれていく。女性のからだも若いころが美しさの頂点にある。胸の形、腰の形、腿肉の張り方、すべてが生命にみちあふれている。画伯は美の頂点にある若い女性の美しさを追求しつづけてきたのである。それもスペインまで足を運んで‥‥。

　色と形の美しさを純粋に表現することが伊藤芸術の極みであるといわれている。それはとりもなおさず画伯にとっては、女性のからだを素朴に、そして誠実に描くことである。裸には親の代、その前の代から受け継がれてきた歴史がある。それも美しさの重要な要素なのだ。伊藤先生はその真髄をわが国ばかりでなく、スペインまで足繁く通い続けることによって見出したのである。

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＜アポリネール礼賛＞ シャガール

　何が描かれているのかわからないけれど、気になる絵画というものがある。多くの抽象絵画がそれに該当するけれど、そのうちで、わたしが気になって仕方がないのがシャガールの絵画である。

シャガールの代表作といえば、妻と散歩しているところを描いた「散歩」という作品をおもい浮かべる人もいることであろう。これなどは妻が宙に浮いていて、かろうじて、シャガールとおぼしき男の左手と妻の右手だけが結ばれている不思議な作品である。

つぎにシャガールには彼に出身地を描いたといわれる「私と村」という作品がある。画面の右手には、帽子をかぶった男の横顔が、そして、左手の方には、牝山羊の顔が大きく描かれており、両者がにらみあっている。これも一瞥しただけで奇怪きわまる作品といえよう。

このふたつの作品をみただけでも、シャガールの絵画の特異性が浮かびあがってくるのであるが、はたして、シャガールは何を描こうとしたのであろうか。シャガールは自分の心のなか目をむけて　そこに宿っている心象風景を絵画として表現しているのである。

この点に関して、シャガールは次のようなことをいっている。
「わたしたちの内面的な世界はすべてが現実なのです。おそらく目にみえる世界以上にそうなのです。理屈にあわないものをすべて非論理的とか、“ファンタジー”（幻想）とか、おとぎ話とか呼ぶことは、自然がわかっていないことを認めるようなものです」

　現在では、深層心理の世界の探求がすすんで、ファンタジーやおとぎ話も深い意味をもつことが立証されるようになったことをおもい合わせると、シャガールは深層心理学の先覚者のひとりであったといっても過言ではない。

　このようにシャガールが自分の心象世界を絵画としてあらわしてきたことがまちがいのない事実であるが、それではシャガールはその技量をどこで身につけていったのであろうか。ちなみに、シャガールはパリで活躍した画家であったけれど、パリに出てくるまでにも多くの作品をあらわしているのである。

　それにもかかわらず、シャガールがパリに出てこなかったならば、あの特異な作品は日の目をみなかったといわれている。たしかにシャガールの心象風景の基本をなすものは彼が生まれ育ったロシアである。だが、その表現手段はパリに出てきて多くの先輩たちから学んだのだ。

形態は多くに画家とおなじようにセザンヌを先祖として、ファーヴィスムやキュビスムの画家たちに学んだのである。色彩は彼の絵画をみれば、疑いの余地もないくらいに印象派の画家たちの薫陶をうけているのである。

それにシャガールの場合は、もうひとつ大きな影響を受けた人たちがいる。彼の絵画が詩的であるといわれるのも、その所以であるが、アポリネールをはじめとして、当時パリで活躍していた詩人たちの影響も受けていたのである。

そのうちの一枚の作品に「アポリネール礼賛」がある。これはシャガールには少ない裸婦を描いたものである。といっても　アダムとエヴァが描かれているから裸婦はエヴァだけとなる。それも抽象画であるのでなかなか判別がむずかしいところがあるが、手に果実をもっているところと、乳房が描かれているのでそれがエヴァであることがわかる。

それにしてもこの作品もその特異性が光っている。大きな円のなかにアダムとエヴァが描かれているのであるが、この円がアダムの誕生からエヴァを通じて失楽園へと場面が展開してゆく。そして、アダムの末裔であるわれわれの世界になっていく、その全過程が鮮やかな色を交えた円で描かれているのである。

そして、決め手は、円のなかのアダムとエヴァの苦悩の表情である。それは禁断の実に手を出した人類の先祖の原罪を髣髴とさせる。聖書の創世記に語られているとおりの世界である。

それにしてもわれわれが裸婦を楽しむことができるのは、もとをただせばエヴァが禁断の実に手を出してくれたおかげであるといえなくはない。エヴァの功罪のどちらに該当するのであろうか。

ともあれ、シャガールはアポリネールのような詩人から多くのヒントを得て誰も描いたことのないこのような作品をものにすることに成功したのである。

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＜幽玄のエロチシズム＞ 加山又造

　画集の扉をあけるとひとりの男の顔があらわれる。年のころなら50代のおわりのころであろうか、じつに味わい深い容貌をしている男である。おなじ芸術家であっても、どこか偏屈で、気難しい顔つきとは無縁で、細めに目をあけて、大きく口をひらいて、屈託のない笑顔をみせている。まったく気負うことのない自然な笑いである。そのうえ、髪はもしゃもしゃで、半纏のようなものを身にまとっている。そこからはいたって気さくな人柄がしのばれる。

　この画集のなかの男こそが加山又造画伯なのである。このような容貌や身なりの画伯から一時代を画した絵画が生み出されたことが一件奇異のようにおもえてくる。だが、思案するまでもなく、このように気さくで身構えない画伯だからこそ、余人には果たしえなかったヨーロッパと日本の美を融合させた独自の美術という偉業を達成することができたのかもしれない。

　加山又造の功績は多岐にわたっている。日本伝統の障塀画に挑戦をつづけて、あたらしい伝統を確立したかとおもうと、裸婦をとりあげて、幽玄なエロチズムを追求したり、さらには、あらたな観点から水墨画の世界を探求するなど、その活躍ぶりは、まさに「美の狩人」というニックネームで呼ばれるにふさわしい芸術家である。

　そのなかで、わたしがとりあげるのはもとより裸婦の世界である。加山又造が裸婦を世に問うたのは1974年のことで、年は47歳だったといわれている。裸婦を描くにはおそい出発だったかもしれない。しかし、それから6年間にわたって探求をつづけて、完成させたいわゆる「裸婦シリーズ」は長年にわたる画伯の画業のなかでも特筆に価するものである。

　加山の画集をめくると、はっと息をのむ二点の裸婦があらわれる。いずれも裸婦習作と名づけられた美しい線で描かれている裸婦である。一点は、バックが全面にわたって黒地の金箔で被われており、そのまえにひとりの裸婦が横たわっているという構図である。もう一点が、シルクスクリーンの手法で施された紺地に金の文様を刷る出した画面をバックにして、ひとりの裸婦がたっている構図である。

いずれの裸婦も気おくれすることなく、堂々と描かれており、よくバックの画面となじんでおり、じっとみていると目がくらみそうになるほどである。なぜこのような完成度の高い裸婦が「習作」であるのか皆目見当がつかないほどである。

さらにページをくくっていくと、そこにもはっとする裸婦の姿があらわれる。両面をつかった見開きのページのうえにはすけすけの黒い薔薇のレースをまとった4人の裸婦たちがたっている。レースのつけ方もまちまちで、全身がレースで被われている裸婦もいれば、からだ半分ははだかの裸婦もいる。わたしはこれまでにこのような絵柄の裸婦にお目にかかったことがない。

「黒い薔薇の裸婦」と名づけられたこの作品こそは、加山又造の個性がよく出ている作品である。加山の描く裸婦は美しいのである。だが、ただ美しいばかりではない。裸婦の属性であるエロチシズムが加山のもくろみどおりあらわれていて、観るものをたのしませてくれるのである。

　さらにページをめくると、そこにも二点の裸婦があらわれてくる。これも「裸婦習作」と題された作品で鳥の絵柄をバックにして、若くてすらりとした裸婦が横たわっている構図である。そして、もう一点が、「裸婦と猫習作」という作品で、こちらも目のきれいなすらりとした裸婦がソファのうえによりかかっており、そのかたわらには猫がいるという構図である。

　ふたつの作品に共通しているのは、裸婦たちに質量感がなく、ふわりとした面影をたたえた裸婦像に仕上がっているとろろである。これこそが加山が現代的な新感覚によって描いた裸婦であり、女性が本性的にもっている奥深くて計り知れない幽玄のエロチシズムを漂わせている作品である。

　加山又造の専門は日本画であるといわれている。わたしはそれを否定するものではない。しかし、画伯の裸婦には日本画にはない洗練された要素がある。それはたぶんにヨーロッパの美術から収集したものであろう。

加山の裸婦はすべて日本画の伝統である美しい線によって描かれている。その点ではあきらかにヨーロッパの画家が描いた裸婦とは一線を画すようにおもわれる。だが、「近代の序曲」を告げた作品といわれているマネの「オランピア」も正確なデッサンだけによって対象の立体感を表現しているのである。

そのようなことを考えあわせると、加山はヨーロッパの美術の吸収によって得られた造形と、伝統的な日本画が持っている造形とをよく溶けあわせて、そのうえに加山なりの日本人として感性を加味してつくりあげたのが、とりもなおさず、日本画にも洋画にもない加山又造なりの裸婦なのであろう。

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＜裸婦＞ 藤島武二

「裸体画の中で、深く私の印象に残っていて、今もなお忘れられないもの」として、画家の藤島武二は、マネの「オランピア」をあげている。マネのオランピアといえば、パリいの町中で会うような少女をモデルにしたことで、世間の非難をあびた作品としてしられている。

　ヨーロッパにおける裸婦の歴史はルネッサンスにまでさかのぼる。そのなかにあっても多くの有能な画家たちが多くの裸婦像に挑戦している。官能の響きでは、オランピアなど寄せつけない作品が数多く存在する。しかし、それらの作品も表面上は神話か、歴史か、寓意などのよろいをかぶっているのである。ところがオランピアはそのようなよろいは一切脱ぎすてて、生身の少女をモデルにしているのだ。

　これだけでも当時のパリ画壇の非難を受けるのに、オランピアにはもうひとつ非難を受ける大きな要因があったのである。それは作品の表現性からくる差異である。それまでの作品は遠近法や明暗法などを駆使して、作品に陰影や肉付けがほどこされてきたのであるが、オランピアではそれらを放棄して、すなわち、奥行きを否定して、二次元の正面性を強調した描き方をしたのである。

　それでもオランピアをみればわかるとおり、マネが描いた裸婦にははっきりとした肉体のふくらみが感じられるのである。マネは正確なデッサンとクリーム色にかがやく肌の色彩の変化によってこの作品を描いたのである。

――もっとも簡単なるトーンがまた無限の働きをなしている。
　藤島はマネの絵画をこのように称している。藤島にはこの言に則って描いたとおもわれる作品がある。1917年頃に制作したとおもわれる裸婦である。

――大きく見よ、大体に注意せよ！
　これが藤島がマネから学んだ絵画の秘法であったようである。1917年ころの製作になるこの裸婦はこの秘法がよく生かされているのだ。色彩を抑制して、赤と黒とを効果的に配置する。調子を単純化して、それでいて、面的に正しく対象を把握して抽出する。それでいて肉体のみずみずしさをも表現する。

　この解説がそのままあてはまるのがこの裸婦である。藤島にとってマネをこえる師は存在しなかったのかもしれない。これはみたからにみずみずしい作品でみればみるほど心がなごむばかりである。

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＜智・感・情＞ 黒田清輝

　――わが国に裸体画を持ち込んだのは誰であろうか。
　それはわが国における西洋画のパイオニアとなった黒田清輝にほかならない。彼は9年間におよぶフランス留学を追えて帰国する。その黒田は留学中に一枚の裸婦を描いている。描かれているのはうしろ姿の裸婦で、正面をむいている姿は鏡にうつっているのである。「朝妝」（ちょうしょう）と題されたこの作品は当時のフランス画壇で流行していた裸体表現だったといわれている。
　
　留学をおえて帰国した黒田はこの作品を第4回内国勧業博覧会へ出展したのである。いまだルノアールの裸婦に接することのなかった日本画壇はこの出展作品による衝撃で賛否両論が巻き起こったばかりか、やがては裸体画論争にまで発展していくのである。日進月歩の勢いで深化をとげるフランス画壇を目の当りにしてきた黒田はわが国の画壇に風穴をあけるためにすすんで裸体画論争に挑んでいったのである。

――西洋画の基礎は裸体画にあり。
　これが黒田の信念であった。それもたんなる信念ではなく、当時のフランス画壇では、印象派の画家たちが世間から認知されており、あの豊満で色鮮やかなルノアールの裸婦をはじめ、多くの画家たちが西洋女性をモデルにしてそれぞれの裸婦像に挑戦をしていた時代なのである。

　やがて裸体画論争は学窓まで持ち込まれることになる。すなわち、黒田は東京美術学校の西洋画科でどのような人体を教えるかについて一任されていたのである。そこで黒田は裸婦を描くにあたって、モデルをつかったのであるが、それにたいして、すさまじいばかりの低次元の批判が巻き起こったのである。

　これにたいする反撃の意味をこめて制作したのが「智・感・情」という三部作からなる裸婦なのである。この作品は日本人をモデルにした最初の油彩による裸婦像としてもつとに有名である。

　この3部作の中央に描かれている<感＞のポーズをとっている裸婦はその容姿から威圧的な趣が感じられる。それこそが黒田の反撃の証のようにおもわれる。また、なぜ黒田がこのような抽象的なタイトルをつけたのかは判然としないが、本人の言によると、画家の三派を意識してつけたもので、理想、印象、写実を、それぞれ、智・感・情にあてはめたものであるという。

　このようにこの作品は制作の動機において大きな意味を持っているが、それと同時に、この作品が歴史的に意味を持つのは、その造形上の実験にあるといわれている。すなわち、主題の象徴性と画面構成の装飾性を同時にねらったのである。写実的な人体に輪郭線を施し、背景を金地一色で塗りつぶすという冒険を行なったのだ。

　ともあれ、わが国ではじめて日本人をモデルにした油彩画としてのこの作品は、裸体画と印象派風の画風をわが国に持ち込むことに執念をもやした黒田清輝の功績とともに永遠に記録に残ることであろう。

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＜孔雀と女＞ 安井曽太郎

　安井曽太郎の代表作のひとつに裸婦を描いた「孔雀と女」という作品がある。ふくよかなソファのうえに西洋人の裸婦が横たわっている。カーテンを背にして一匹の孔雀が描かれている。裸婦とその孔雀と向い合っている絵柄である。わたしはこの作品を目にしたときに、ふとレンブラントの名作「ダナエ」をおもい起こした。

　ダナエはギリシャ神話のヒロインである。ゼウスは黄金の雨に姿を変えて塔のなかに侵入して幽閉されているダナエと交わろうとしている。そのゼウスの愛を陶然として受け入れようとしている場面が描かれているのがレンブラントの「ダナエ」という作品である。

　この主題にはティツィアーノをはじめ何人もの有能な画家たちが挑戦しているが、レンブラントの作品が群を抜いているようにわたしにはおもわれる。その理由はいくつか考えられるが、大きな比重をしめるのがこの作品がそなえている品格である。それと同じ品格をわたしは安井曽太郎の「孔雀と女」に見出したのである。

　それほどまでにこの作品には筆舌につくしがたい品格が備わっているのである。その意味では、大家が描いた作品であるといっても決して不自然ではないのに、これがいまだ安井がパリに留学していた修行時代に制作された作品であるというからおどろきである。この作品については、安井自身が書いた説明文がある。それを抜粋してみよう。

――この絵は１９１４年の春パリで描いた。前年の秋イタリヤ旅行をした。イタリヤでは絵画よりも彫刻により多く興味をもった。‥‥‥　製作中ギリシャ彫刻の美しさが忘れられず、終始頭の中にあった。

　隣の家が動物彫刻研究所で、色々の動物が飼われていた。孔雀もその空地を歩いていた。僕の方からそれが、間近に、よく見えたので、その孔雀を写生して裸女に取合せることにした。裸女と孔雀の取合せには別に何の意味もない。

　背景を庭園にして散歩の男女を描きいれたが、それは多少ともセザンヌの「二人の姉妹図」の散歩者からヒントを得た様でもあった。‥‥‥

　‥‥‥「孔雀と女」は僕にとって、ただ一つのイタリヤ旅行の産物である。

　そういわれてみると、ほりの深い顔といい、起伏に富んだ姿といい、この作品の裸婦には、ギリシャ彫刻のなかのビーナスの片鱗がうかがわれるようにおもわれる。なぜ、孔雀を描いたかとなると、たまたま空地にいた孔雀を写生していたからだといっているけれど、安井は生涯にわたって装飾に気をつかった画家であったといわれている。ことによると、この頃から無意識のうちに装飾に対する気配りが働いたのかもしれない。

　たしかに背景には散歩している男女が描かれている。これも安井が写実主義の画家としてこよなくゼザンヌに傾倒していたことを考え合わせると、自然の成り行きとして理解できるところである。

　ともあれ、「孔雀と女」は安井にとってフランス滞在の最後の作品となったばかりか、内容からいっても留学の総仕上げとしても余りある作品である。安井の西洋での体験と彼の生来の天才性が相乗効果を発揮したからこそ、このような名作が生まれたのであろう。

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